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North Korea and Kim Jong Un Get a New Enemy with “The Leader is Present” by Max Papeshi, McLoughlin Gallery, San Francisco, California

"Our republic is a responsible nuclear state that--as we made clear before, will not use nuclear weapons first unless aggressive hostile forces use nuclear weapons to invade on our sovereignty.

 Kim Jong Un, 2016


The renown San Francisco based McLoughlin Gallery is pleased to present "The Leader is Present", the landmark solo exhibition featuring the groundbreaking Max Papeschi Works on view September 15 – October 14, 2017.
"The Leader is Present" is the first solo exhibition from Italian artist Max Papeschi in the U.S, focusing on North Korean Dictator Kim Jong Un as would be interpreted by world famous contemporary artists including Andy Warhol, Damien Hirst, and Banksy, among others. In the style of the infamous feature film "The Interview," starring James Franco, The North Korean leader is at center stage in these daring art works, satirically 'honoring' the 'Dear Leader' through the art pieces.

The exhibition is part of the "Welcome to North Korea Project" created with the support of Amnesty International Italy; promoting awareness and condemnation of the crimes against humanity by the North Korean regime. Fighting censorship, the artist helps to both inform and remind us of these crucial issues of human rights, while incorporating the spirit of play in to the body of the work. With "Welcome to North Korea" Papeschi, in his self-fabricated role as 'Cultural Ambassador of North Korea' as awarded by the 'Dear Leader' builds the narrative story of a contemporary dictatorship through a visual contradiction. The detention facilities become absurdist amusement parks, and the public is taken in to a parallel dimension, where the atrocities of Pyongyang’s regime are hidden by the grotesque propaganda found at www.welcometonorthkorea.org.

With his expressive and irreverent style, Papeschi discredits the 'cult of personality', taking it to the extreme with Kim Jong Un appearing in pretty shades of bright eye shadow and lipstick, in a Warholesque quadriptych; the ultimate 'pop' icon. In Papeschi's further works, between the cut of a Fontana painting or in a face-off with controversial performance artist Marina Abramovic, Kim Jong Un is even reflected as the aspiring child Mouseketeer; a Disney-loving tyrant of contradictions. The propaganda of the regime is further spoofed through the language of contemporary art divinizing the 'Dear Leader,' serving as commentary on the idiocy of bluster and war-mongering propaganda funneled through the DPRK. Included in the compelling exhibition are board games, videos of South Park, Teletubbies with a North Korean twist, an 80's video game, and even Kim Pong, which invites viewers to play against Kim Jong with the inability to ever win against the 'Supreme Leader.'

Despite Kim Jong Un's reported statement that he would not launch a first attack, and would only attack back if attacked first, the dictator has recently however threatened Japan, The U.S. mainland, South Korea, and U.S. territory Guam with total destruction. While North Korea reportedly states their actions are merely reacting in self defense to the annual military tests by South Korea and the U.S, reportedly simulating an attack on North Korea--which greatly upsets the DPRK, the DPRK has recently fired two missiles over Japanese airspace, causing the world, and particularly the people of Japan--great worry.

It is in view of these unsettling world events, in addition to the widely known human rights violations by North Korea, whereby citizens are reportedly woken up at 5 a.m. with a National Alarm Clock, and are reportedly murdered if found criticizing Jim Jong Un--that the art show 'Welcome to North Korea' is so vitally important. Where religion is banned, specific haircuts are reportedly mandated by law, the government controls the reportedly only two television stations in the country for state brainwashing, and citizens' entire family are punished 'three generations back' for the alleged crime on one person, North Korean Government is a assault against reason, and against humanity. Kim Jong Un reportedly even had his own uncle; Jang Song Thaek, and his entire blood family--including women and children--murdered in 2013. And he reportedly had his own half-brother; Kim Jong Nam, poisoned to death earlier this year.
Whereas Sony Studios was famously hacked by North Korea for releasing "The Interview" film which mocked Kim Jong Un and dealt with his assassination, 'Welcome to North Korea' similarly uses 'art as a weapon,' as the political enemy of a despotic regime. Reaching the world with the love of freedom, and the strength of individual liberty, Max Papeschi and McLoughlin Gallery bravely stand up against the face of such tyranny.
The inaugural launch of the exhibition occurred in September 2016 in Turin, Italy; and later Milan, Italy, with the Fondazione Maimeri. These highly successful shows were then followed by shows in Paris, with future exhibitions planned in Prague, Rome, Seville and Miami, after the stunning show here at McLoughlin Gallery in San Francisco, California.


The McLoughlin Gallery is a contemporary gallery serving as a site for exhibitions and public programs working with established international and local mid-career and emerging contemporary artists. The esteemed gallery represents and promotes artists working in a wide array of media including; painting, sculpture, photography, video and installation. Open from Tuesday through Saturday from 10:30 a.m. to 6 p.m, the McLoughlin Gallery is located at the 49 Geary Street, Suite 200, in San Francisco.


Max Papeschi
The Leader is Present
September 15th - October 14th, 2017
www.welcometonorthkorea.org

The McLoughlin Gallery
49 Geary, Suite 200
San Francisco, CA 94108
Joan McLoughlin - Tel: 415-986-4799 - info@mgart.com - www.mgart.com

 

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WOPART – Work on Paper Fair, dal 15 al 17 settembre 2017, Centro Esposizioni Lugano (CH)

Dal 15 al 17 settembre 2017 il Centro Esposizioni Lugano ospita la seconda edizione di WOPART - Work on Paper Art Fair, la fiera internazionale interamente dedicata alle opere d’arte su carta, diretta da Luigi Belluzzi.

75 gallerie provenienti da 14 paesi -  selezionate da un comitato scientifico presieduto da Giandomenico Di Marzio, giornalista, critico e curatore d’arte contemporanea e da Paolo Manazza, pittore e giornalista specializzato in economia dell’arte – presentano un ampio panorama di opere realizzate esclusivamente su supporto cartaceo: dal disegno antico (Raffaello Sanzio, Guercino, Salvator Rosa, Giuseppe Maria Crespi…) alla stampa moderna (Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Karel Appel, Asger Jorn…), dal libro d’artista (Enrico Baj, Giulio Paolini, Emilio Isgrò…) alla fotografia d’autore (Ai Wei Wei, Mario Cresci, Edward Quinn…), dall’acquerello (Pierre August Renoir, Fernand Leger, Francis Picabia, Giorgio Morandi…), alle stampe orientali fino alle carte di artisti moderni contemporanei (Gustav Klimt, Pablo Picasso, Bruno Munari, Joan Mirò, Carol Rama, Mario Merz, Joseph Kosut, Alex Katz, Francesco Clemente, Vito Acconci…), con uno sguardo trasversale su tecniche, linguaggi ed epoche. 

Dopo il successo della prima edizione, torna quindi un appuntamento importante per approfondire la conoscenza e il mercato delle opere d’arte su carta, nicchia che sta conquistando a livello globale un sempre maggior interesse da parte di addetti ai lavori, collezionisti e appassionati, per la relativa accessibilità dei prezzi (per esempio, nel 2016, solo per il contemporaneo più del 60% dei disegni venduti aveva un costo sotto i 5.000 $, portando sul mercato opere di artisti noti a una soglia molto più bassa delle loro normali quotazioni) e per l’ampiezza dell’offerta, legata alla crescente popolarità del medium della fotografia e alla rivalutazione della stampa d’arte. Proprio per dare strumenti e occasioni di approfondimento sul settore nelle sue varie sfaccettature e sui temi di maggiore attualità, WOPART offre un ricco programma di eventi collaterali, dentro e fuori dai padiglioni fieristici.

Nel calendario degli appuntamenti ospitati all’interno del Centro Esposizioni Lugano si segnalano i WOPART/TALK: conversazioni, interviste e lectio magistralis con artisti, critici e storici dell’arte, consulenti e specialisti di investimenti in arte, dagli artisti Paolo Canevari, Emilio Isgrò, Joseph Kosuth, ai collezionisti Patrizia Sandretto Re Rebaudengo e Massimo Prelz, agli studiosi come il neuroscienzato Edoardo Boncinelli e la filosofa Lina Bertola, per conoscere dalla viva voce dei protagonisti internazionali del mondo e del mercato dell’arte le loro esperienze e i loro percorsi e i loro studi. Anche quest’anno i WOPART/TALK saranno trasmessi in streaming sul sito della manifestazione (www.wopart.eu).
Integrano il progetto espositivo della fiera quattro focus espositivi, sempre all’interno dei padiglioni fieristici: la mostra fotografica 1930 – 1970: la fotografia d’avanguardia in Italia della collezione Prelz, a cura di Walter Guadagnini e di CAMERA, Centro Italiano per la Fotografia di Torino; la mostra I mille volti del kabuki, che presenta una raccolta di stampe ukiyo-e provenienti dal Museo delle Culture di Lugano; una mostra di opere su carta e libri d’artista, provenienti dalle collezioni del Centro per l’Arte Contemporanea Luigi Pecci di Prato; e infine un’installazione dell’artista della cancellatura, Emilio Isgrò. Nelle settimane precedenti la fiera, in via Nassa a Lugano, tre installazioni di Container Lab anticiperanno l’edizione 2017 di WOPART.

GALLERIE
10 A.M. ART, Milano;
ABC Arte, Genova;
AICA | Andrea Ingenito Contemporary Art, Milano/Napoli/Capri;
AION, Lugano; ApalazzoGallery, Brescia; Apart, Misinto;
Art Bärtschi & Cie, Ginevra;
Artem – Reich, Stalden;
Artrust, Melano;
Atipografia, Misinto;
Bag Gallery, Parma/Pesaro;
Buchmann Galerie, Lugano;
Carte Scoperte, Milano;
Chambers Fine Art, NewYork;
Colophonarte, Belluno;
Creatini e Landriani, Sestri Levante;
De Primi Fine Art, Lugano;
Die Mauer, Prato;
[dip] Contemporary Art, Lugano;
Exclusive Luxury Group, Lugano;
Fine Art Consultancy, London / Tokyo;
Five Gallery, Lugano;
Forni, Bologna;
Galerie Andrea Caratsch, St. Moritz;
Galerie Carzaniga, Basel;
Galleria Allegra Ravizza, Lugano;
Galleria Bianconi, Milano;
Galleria Blanchaert, Milano;
Galleria Continua, San Gimignano/Beijing/Les Moulins/Habana;
Galleria del Laocoonte, Roma;
Galleria Immaginaria, Firenze;
Galleria SpazioFarini6, Milano;
Galleria Stefano Forni, Bologna;
Grossetti Arte, Milano;
Heillandi Gallery, Lugano;
Il Castello Gallery, Milano;
Imago Gallery, Lugano;
Karma International, Zurigo;
L.C. Gallery, Ibiza;
Laura Bulian Gallery, Milano;
Lia Rumma, Napoli/Milano;
MAC - Mazzuchelli Art Consulting, Miami Beach;
Mark Borghi Fine Art, New York;
MLB Maria Livia Brunelli, Ferrara;
Monica De Cardenas, Lugano/Zuoz/Milano; Moyshen The Gallery, San Miguel de Allande; Natoli & Mascarenhas, Principato di Monaco;
NdF Gallery, Freibourg;
Osart Gallery, Milano;
Pandora OM, New York;
Pigment Gallery, Barcellona;
Raffaella De Chirico Galleria d'Arte, Torino;
Richard Saltoun, London;
Salamon & C., Milano;
Silvano Lodi IntArt Gallery, Lugano;
Sincresis, Empoli;
Spazio Testoni, Bologna;
Studio D'arte Campaiola, Roma;
Suite 59, Amsterdam;
Tag The Art Gallery, Lugano;
vitArt modern and contemporary art, Lugano;
W. Apolloni, Roma.


WOPART/TALK
GIOVEDI’ 14 SETTEMBRE  
- h. 19:30
L’arte della cancellatura. Cancellare per scrivere o cancellare per vivere, Conversazione tra Emilio Isgrò e Paolo Manazza, pittore e giornalista dell’Economia del Corriere della Sera
VENERDI’ 15 SETTEMBRE 
- h. 12:15 Il Libro d’artista: Collezioni e Collezionisti si incontrano, ne parla Marco Scotini
- h. 14:00 L’arte incontra le disabilità visive Attività di mediazione culturale a cura del Laboratorio cultura visiva SUPSI promosso dai Lions Club del Canton Ticino
- h. 15:30 Intervista con Patrizia Sandretto Re Rebaudengo, Presidente Fondazione Sandretto Re Rebaudengo. Moderatore Giandomenico Di Marzio, giornalista de Il Giornale
- h. 17:30 Intervista con Joseph Kosuth
SABATO 16 SETTEMBRE
- h. 14:30 Works on Paper, dal Disegno antico al Moderno, dal Contemporaneo alla Fotografia: Investire per passione, tendenze ed evoluzione di un mercato in crescita. Moderatore Paolo Manazza, pittore e giornalista de Il Corriere Economia
- h. 17:30 Intervista con Paolo Canevari
DOMENICA 17 SETTEMBRE
- h. 12:15 Edoardo Boncinelli, neuroscienziato: Il Potere della Carta. Moderatore Stefano Colombo, amministratore di Colombo Experience e docente di Accounting presso l’Università Bocconi di Milano
- h. 15:00 Camera – Centro Italiano per la Fotografia di Torino: come nasce una Collezione di Fotografia Walter Guadagnini dialoga con Massimo Prelz
- h. 16:00 Presentazione di B10 – Decima Biennale dell’Immagine (Lugano): Borderlines, Città Diverse / Città Plurali
- h. 17:00 L’intelligenza delle mani. Conversazione tra Lina Bertola, filosofa, e Visarte Ticino
- h. 18:00 Il ruolo dell’artista e dell’arte nella società contemporanea – Con la partecipazione del vicepresidente di Visarte Svizzera: Christian Jelk

MOSTRE

Museo d'arte della Svizzera italiana,  MASILugano
Wolfgang Laib a cura di Marco Franciolli
Dal 03.09.2016 al 07.01.2017
MASILugano, Piazza Bernardino Luini 6, 6900 Lugano, Tel.+41 58 866 42 00 - www.masilugano.ch
Il Museo d'arte della Svizzera italiana propone un’ampia esposizione monografica di Wolfgang Laib comprendente istallazioni, sculture e disegni.
L’artista tedesco utilizza materiali naturali per la realizzazione delle sue opere: polline, riso, lacca, cera, latte. La mostra offre una sintesi del percorso creativo di Laib, considerato oggi uno degli artisti più innovativi degli ultimi trent’anni.

Biblioteca cantonale di Lugano
Libri che attraversano il tempo, Le settecentine della Biblioteca cantonale di Lugano, a cura di Flavio Catenazzi e Luca Saltini, Consulenza scientifica Gianmarco Gaspari
Dal 14.09 al 18.11.2017
Biblioteca cantonale di Lugano, Via Carlo Cattaneo 6, 6900 Lugano, Tel.+41 91 815 46 11, www.sbt.ti.ch/bclu

La Biblioteca cantonale di Lugano possiede un fondo cospicuo di libri antichi, provenienti soprattutto dalle soppressioni conventuali avvenute nel nostro Cantone verso la metà dell’Ottocento. Numerosissime le settecentine, che documentano gli interessi dei vari Ordini per argomenti non sempre strettamente connessi con quello religioso. Particolarmente significativa la raccolta dei padri Somaschi, arricchitasi grazie soprattutto all’impulso dei fratelli luganesi Giampietro e Giambattista Riva, capaci di intrecciare stretti rapporti di amicizia con letterati e scrittori, come il Muratori, l’Orsi, il Manfredi, vale a dire uomini che seppero imprimere una svolta alla cultura italiana del secolo. Le biblioteche dei conventi soppressi permettono quindi di restituire un quadro d’assieme, per molti riguardi eccezionale, che la mostra si sforza di esplorare proponendo una scelta di volumi preziosi, edizioni uniche, spesso illustrate, distribuiti in percorsi tematici: la letteratura italiana, il teatro, le raccolte encomiastiche, la scienza. Un’immersione nel secolo, insomma, attraverso le pagine di libri rari.


GALLERIE

Buchmann Galerie
AION Incontro d'arte: antico e moderno si confrontano in una mostra

Monica De Cardenas
Fiona Rae

[dip] Contemporary Art
Marco Scorti

Five Gallery
Joseph Kosuth
Arteconomy, l’Arte senza l’Artista Le Seconde Avanguardie, Carte e Documenti

Heillandi
II° Edizione Proposta Heillandi 2017/2018, Selezione di Fotografia Contemporanea

Imago Art Gallery
Enrico Ghinato

IntArt Gallery
Silvano Lodi
Zensual

Allegra Ravizza
The Bounty KillArt
, Let's dance!

TAG TheArtGallery
WOPASIAN. Artisti cinesi contemporanei

AtipografiaMirko Baricchi, Mats Bergquist, Denis Riva e Stefano Mario Zatti.

Galleria Grossetti Arte, propone tre personali rispettivamente di Rodolfo Aricò con opere dal 1966 al 1972, Giuseppe Spagnulo con una selezione di opere dal '73 al '91 e Marco Gastini  con importanti opere a cavallo  tra il '76 e il '77. A tutto ciò si aggiunge una proposta di Dadamaino con opere degli anni 60/80 e Raimond Girke.

Mimmo Scognamiglio Artecontemporanea partecipa insieme alla Galleria Aniello Placido. Opere di Chiharu ShiotaMarco TirelliVito AcconciMimmo PaladinoFrancesco ClementePiero Pizzi CannellaChristian Lapie e Balint Zsako.

Alinari partecipa con il progetto Alinari Contemporary di cui fanno parte i fotografi: Alberto Campanile, Domenico Cicchetti, Maurizio Fraschetti, Maurizio Gabbana, Francesco Garlaschelli, Vittorio Giannella, Cristiano Maggi, Angela Prati, Mauro Ranzani, Andrea Samaritani, Nicola Savoretti, Paolo Spigariol.


EVENTI

Venerdì 15 settembre - h. 19.00 - 22.00
GALLERY NIGHT, gallerie e spazi d'arte luganesi aperti al pubblico
Sabato 16 settembre - h. 11.00 - 21.00
REAL {Rassegna Editoria d'Arte Lugano} @ Turba, Via Cattedrale 11
REAL sarà un'occasione per chi ama i libri di conoscere e acquistare pubblicazioni di case editrici indipendenti e self publishing. REAL durerà un giorno, con talks, book-signings, mostre.

WOPART OFF / il fuori fiera di Wopart 2017
Wopart sviluppa con la Città di Lugano una forte sinergia per la promozione della città e del comparto Arte, segmento sul quale la Città stessa con il LAC e altre realtà sta investendo risorse ed energie. 
Volando Etihad da Roma e Ginevra a prezzi agevolati, oppure arrivando in treno da Zurigo o da Milano, si potranno trascorrere due giorni immersi in un programma d’arte.
Sul sito www.wopart.eu dal 15 luglio ci sarà il programma definitivo e dettagliato degli eventi e delle mostre.

WOPART - Work on Paper Fair
Dal 14 al 17 settembre 2017
Organizzata da: Lobo Swiss
Patrocinio
: Città di Lugano e Biennale del Disegno di Rimini, CAMERA – Centro Italiano per la Fotografia di Torino, SBF+ Associazione dei fotografi professionisti e fotodesigner svizzeri e Visarte.
Sponsor
: ARGOS, Wealth Administration, Etihad Regional, The View Lugano. Official Wine: Consorzio Franciacorta.
Main media partner
: La Lettura-Corriere della Sera. Media partner: ArtsLife, Ticino Welcome, Corriere del Ticino, Giornale del Popolo, Tele Ticino, Radio 3i, Ticino News, AI Magazine e Frattura Scomposta.
Sponsor Tecnici
: Lugano Airport, BIG Broker Insurance Group - Ciaccio Arte, Simonetta Rota, Colombo Experience, Petra Peter.
Ufficio Stampa Milano
: Lara Facco - press@larafacco.com - Tel.+39 02 36565133  - +39 349 2529989
Press Office Zurigo
: Michelle Nicol - nic@neutralzurich.com - Tel.+41 79 642 0207 - Neutral Zurich Ltd. - Tel. +41 43 311 3090- www.neutralzurich.com

Preview: giovedì 14 settembre dalle 18.00 alle 21.00
Orari: venerdì 15, sabato 16 e domenica 17 settembre, dalle 11.00 alle 19.00
Biglietti: Giornaliero 15 CHF; Giornaliero ridotto 10 CHF (studenti, over 65, persone diversamente abili con accompagnatore, titolari card Visarte); Abbonamento 4 giorni 40 CHF, Ingresso gratuito per minori di 16 anni se accompagnati da un adulto.

Centro Esposizioni Lugano
via Campo Marzio
6900 Lugano (CH)
www.wopart.eu


From 15 to 17 September 2017, Lugano Exhibition Centre will be hosting the second edition of WOPART – Work on Paper Art Fair, an international fair focusing on artworks made of paper, directed by Luigi Belluzzi.
75 galleries from 14 countries – chosen by a scientific committee chaired by Giandomenico Di Marzio, a journalist, critic and contemporary art curator, and Paolo Manazza, a painter and journalist specializing in art economics – will offer an extensive overview of works made exclusively on paper: everything from ancient drawings (Raffaello Sanzio, Guercino, Salvator Rosa, Giuseppe Maria Crespi…)  and modern prints (Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Karel Appel, Asger Jorn…) to artists’ books (Enrico Baj, Giulio Paolini, Emilio Isgrò…), artistic photography (Ai Wei Wei, Mario Cresci, Edward Quinn…), watercolors (Pierre August Renoir, Fernand Leger, Francis Picabia, Giorgio Morandi…), Oriental prints and paper works by modern and contemporary artists (Gustav Klimt, Pablo Picasso, Bruno Munari, Joan Mirò, Carol Rama, Mario Merz, Joseph Kosut, Alex Katz, Francesco Clemente, Vito Acconci…), providing a cross-section of different techniques, languages and periods in history.

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Wolfgang Laib, LAC Lugano Arte e Cultura, Lugano, Svizzera


Wolfgang Laib



"Il tempo è stato ed è un nodo principale nel mio lavoro e nella mia esistenza. Raccogliere polline significa restare seduto in un prato per giorni, settimane, msi... e dopo un mese hai un vasetto pieno di polline!"


Dal 3 settembre 2017 al 7 gennaio 2018 il MASI ospita un’importante mostra monografica dedicata a Wolfgang Laib, artista tedesco la cui opera si distingue nel panorama artistico contemporaneo per essenzialità, chiarezza e profondità di pensiero.
Una mostra da non perdere per l'altissima qualità delle opere proposte dove la poesia percorre i territori dello spirito. Laib utilizza solo elementi naturali, come il latte, il riso, la cera d'api  e i pollini di fiori di cespugli e alberi (nocciolo, dente di leone, ranuncolo, pino) che raccoglie, in un percorso meditativo, in primavera vicino al suo studio in un piccolo villaggio della Germania meridionale. Li usa puri, senza alcun intervento cangiante, nel pieno rispetto della natura e della sua bellezza, dove microcosmo e macrocosmo si incontrano, il tangibile con l'immateriale, in un continuo passaggio tra trascendenza e immanenza. A questi elementi si aggiunge il marmo bianco per lui una pietra vivente che nel color bianco, con la sua densità, testimonia la sua purezza che si armonizza con quella del latte.


Il progetto espositivo, elaborato in stretta collaborazione con l’artista, raccoglie 50 opere tra sculture, fotografie, disegni e installazioni che esplorano tutti gli ambiti del suo universo creativo.
La mostra si apre dando spazio a disegni e fotografie, delineando immediatamente il singolare vocabolario artistico di Laib, capace di coniugare con armonia e semplicità una profonda conoscenza di culture e religioni orientali con un’altrettanto intima riflessione sulle radici del patrimonio culturale occidentale. Le fotografie realizzate da Laib durante i suoi viaggi in Europa e in Asia compongono un repertorio di forme che prende nuova vita nei suoi essenziali disegni a pastello. A loro volta i motivi che popolano le opere su carta riecheggiano e si amplificano nelle sculture e installazioni che completano il percorso espositivo, secondo un principio di circolarità e ripetizione paradigmatico dell’opera dell’artista. Nell’ampio spazio espositivo (livello -2) dialogano senza barriere opere rappresentative dell’intero percorso artistico di Laib: dalla Milkstone, scultura essenziale che sposa in un equilibrio perfetto la durezza del marmo alla fluidità del latte, presente sin dalle prime esposizioni, alle più recenti strutture in legno ricoperte da rilucente lacca birmana (Untitled, 2003); dalla celeberrima sequenza dei Rice Meals (1983) fino all’imponente ziggurat (Es gibt keine Anfang und kein Ende, 1999) in legno e cera d’api che impressiona con la sua mole e il suo intenso profumo.
Prezioso fulcro della mostra è l’ampio e luminoso campo di polline di pino, presenza al tempo stesso effimera e grandiosa, che inevitabilmente invita a meditare sulla ciclicità della natura e la precarietà dell’esistenza, celebrandone al contempo la complessità e la ricchezza. Significativa è l’attitudine con la quale Laib da sempre si confronta con i materiali organici e inorganici che rendono inconfondibili le sue opere: il marmo viene scolpito, la cera viene plasmata e il polline disposto in ordinate composizioni senza la presunzione di attribuire alla materia un nuovo valore, bensì con la volontà di essere un tramite che con il suo lavoro rende visibile la bellezza intrinseca ad ogni materiale.

Il catalogo, Edizioni Casagrande, della mostra, bilingue (italiano / inglese), include testi di Marco Franciolli, Simone Menegoi e Guido Comis. Il ricco apparato iconografico, oltre alle riproduzioni dei disegni e delle fotografie esposte, comprende immagini dell’allestimento della mostra a Lugano e una serie di scatti inediti realizzati nell’atelier dell’artista.

"Il comunicare per analogia lo ritengo altrettanto utile che piacevole: il caso analogo non vuole imporsi, non vuole dimostrare niente, si pone di fronte a un altro senza collegarsi ad esso. Più casi analoghi non si uniscono in serie chiuse, sono come la buona compagnia che stimola sempre più che non dia."
Johann Wolfgang Goethe


La mediazione culturale
Oltre alle consuete visite guidate gratuite che si svolgono ogni domenica alle 15:00, sono previste per tutta la durata della mostra attività di mediazione culturale volte a favorire la fruizione da parte del pubblico e a trasformare la visita in un’esperienza arricchente ed emozionante.
Il programma è disponibile sul sito www.edu.luganolac.ch.


Programma espositivo
Oltre all’opera di Wolfgang Laib, dal 24 settembre 2017 al 21 gennaio 2018 il MASI presenta “Sulle vie dell’illuminazione. Il mito dell’India nella cultura occidentale 1808-2017”, una grande mostra dedicata all’India e all’influenza da essa esercitata sulla cultura e l’arte occidentale nelle sue diverse espressioni. La mostra si inserisce nel progetto Focus India pensato per abbracciare in maniera interdisciplinare l’arte visiva, la musica, la danza e il cinema, oltre alle altre numerose sfaccettature della cultura indiana (LAC Lugano, dal 24 settembre 2017 al 21 gennaio 2018).
Dal 26 novembre 2017 al 14 gennaio 2018, spazio alla giovane arte svizzera con l’esposizione legata al prestigioso Premio Kiefer Hablitzel, assegnato annualmente dall’omonima fondazione culturale a dieci giovani artisti svizzeri con meno di trent’anni. La mostra è ospitata negli spazi dell’ex Macello Pubblico (Lugano).


Wolfgang Laib nasce a Metzingen nel 1950. L’ambiente familiare colto e aperto gli permette sin da bambino di avvicinarsi all’arte. A partire dagli anni sessanta la famiglia compie numerosi viaggi in Europa in Asia: Laib visita musei, monumenti, siti archeologici e di pellegrinaggio e soprattutto entra in contatto con culture e stili di vita all’antitesti con quelli occidentali. Nel 1968, malgrado l’interesse che nutre per l’ambito artistico, intraprende gli studi in medicina. Questa esperienza è contraddistinta da una crescente frustrazione nei confronti di una disciplina che si interessa unicamente agli aspetti materiali dell’esistenza. A partire dal 1970 la famiglia trascorre ogni estate nel sud dell’India, dove il padre ha dato vita a progetto di sostegno allo sviluppo. Il contatto con lo stile di vita dei piccoli villaggi indiani influenza profondamente Laib.
Nel 1972 realizza la sua prima scultura, un Brahmanda (ब्रह्माण्ड in sanscrito uovo cosmico, Brahm (ब्रह्म) significa cosmo o espansione e anda (अण्ड) significa uovo) e d’ora in poi si dedicherà unicamente alla creazione artistica, privilegiando materiali naturali e forme archetipe. Nel corso della sua carriera ha esposto nei principali musei europei e americani e partecipato a numerose edizioni della Documenta e della Biennale; nel 2015 ha ricevuto il Premio imperiale per la scultura.
Laib vive e lavora in un piccolo villaggio della Germania del sud e per alcuni mesi all’anno in una casa-studio nel sud dell’India.

1950 Wolfgang Laib nasce a Metzingen, nel sud della Germania, il 25 marzo da Lydia Stübler e Gustav Laib.
1952 Nascita della sorella Eva.
1958 La famiglia si trasferisce a Biberach dove il padre apre uno studio di ortopedia e inizia a costruire una casa dalla struttura essenziale, il cui perimetro interamente in vetro si apre sulla natura della campagna circostante. Vivere in questo edifico avrà un forte impatto su tutti i membri della famiglia Laib.
1962 Il pittore paesaggista Jakob Bräckle stringe amicizia con i Laib trasmettendo la sua passione per l’arte a tutti i membri della famiglia. Attraverso Bräckle i Laib entrano in contatto con l’architetto Hugo Häring che custodisce un importante gruppo di opere di Kazimir Malevi ˇc. I dipinti vengono acquistati dallo Stedelijk Museum di Amsterdam ma prima di lasciare la Germania vengono esposti a Ulm. La famiglia inizia a viaggiare in Europa visitando i luoghi dove sono custodite le più importanti memorie della cultura medioevale. Ritornano varie volte ad Assisi e la figura di San Francesco diventerà un importante riferimento per Wolfgang Laib.
1965 La famiglia visita la Turchia, Laib rimane particolarmente colpito da Konya e dalla tomba del poeta Jalal-ud-din Rumi. Suggestionati dalle abitazioni locali, semplici e spoglie, una volta rientrati i Laib si liberano della maggior parte dei mobili e iniziano consumare i pasti e a dormire per terra. Negli anni seguenti la famiglia viaggia in Iran, Afghanistan, Mesopotamia e India.
1967 Laib rimane colpito dallo studio di Constantin Brancusi ricostruito al Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris.
1968 Malgrado il crescente interesse per l’arte Laib decide di iscriversi alla facoltà di medicina di Tubinga. Insoddisfatto dagli insegnamenti ricevuti inizia a seguire numerose lezioni nelle facoltà umanistiche.
1970 Il padre dà vita a un progetto per sostenere lo sviluppo di una piccola comunità nel distretto di Madurai, nel sud dell’India. Da quel momento in poi la famiglia trascorre tutte le estati in questa regione.
1971 Prosegue gli studi in medicina ma segue anche corsi di cultura e lingua indiana, studia Sanscrito, Hindi e Tamil.
1972 Laib trascorre sei mesi in India per lavorare alla sua tesi di laurea. Al suo rientro con scalpello e cesello conferisce una forma ellissoidale a una grande pietra nera trovata nei pressi della casa di famiglia. Una volta terminata La realizzazione di questa prima opera, un Brahmanda (in sanscrito “uovo cosmico”), Laib decide di portare a termine gli studi in medicina per poi intraprendere la carriera di artista.
1973-1974 Realizza un secondo Brahmanda a Konya, che lascia nei pressi della tomba di Jalal ud-din Rumi come omaggio nel settecentesimo anniversario della morte del poeta. Nel proseguire la sua formazione di medico entra in contatto con pazienti gravi e terminalie questa esperienza lo spinge a leggere testi buddisti e jainisti che offrono una visione del corpo e dello spirito in contrasto con quella proposta dal mondo accademico occidentale. Nel luglio del 1974 si laurea in medicina e trascorre l’estate in India. Al suo rientro in Germania si dedica alla realizzazione di altri Brahmanda di dimensioni ridotte.
1975 Laib realizza la sua prima Milkstone, una lastra di marmo la cui superficie impercettibilmente concava viene ricoperta di latte. L’opera che nasce in risposta all’esperienza degli studi in medicina e dei tirocini negli ospedali, rappresenta una ricerca di armonia attraverso i contrasti.
1976 Prima mostra personale alla galleria Müller-Roth di Stoccarda.
1977 Laib raccoglie per la prima volta polline di tarassaco: d’ora in poi ogni primavera sarà dedicata alla raccolta di polline di nocciolo, tarassaco, pino, botton d’oro, acetosella e ontano. Nelle mostre degli anni seguenti oltre alle Milkstones espone i primi campi di polline, quadrati o rettangoli di polline setacciato dalle dimensioni variabili.
1979 Prima mostra negli Stati Uniti da Sperone Westwater Fischer dove presenta alcune Mikstones e opere di polline. Nei due anni successivi Laib soggiorna e lavora a Tribeca. In questo periodo conosce la sua futura moglie Carolyn Reep, conservatrice-restauratrice specializzata in arte asiatica.
1982 Partecipa alla settima edizione di Documenta dove espone opere di polline. In questa occasione Mario Merz invita Laib ad esporre un vasetto di polline sopra a uno dei suoi tavoli a spirale. Insieme a Hanne Darboven e Gotthard Graubner rappresenta la Germania alla Biennale di Venezia con la più grande delle Milkstones realizzate fino ad ora e un quadrato di polline.
1983 Laib trasforma in studio una piccola costruzione del XIX secolo situata nei pressi dell’abitazione di famiglia. Incontra numerose volte Joseph Beuys, artista che ammira e con cui sente una particolare affinità. Compie un lungo viaggio tra India, Sumatra, Hong Kong e Cina. Al suo ritorno introduce il riso nella sua produzione artistica presentandolo all’interno di coni o thali, piatti di ottone usati quotidianamente in India per mangiare e per compiere offerte nei templi Jain.
1984 Realizza le prime Rice Houses, piccole strutture in legno foderate di alluminio. Il riso viene cosparso intorno ad ogni casa e al suo interno.
1985 Carolyn si trasferisce in Germania e sposa Wolfgang Laib. Harald Szeemann invita Laib a partecipare alla mostra collettiva Spuren, Skulpturen und Monumente ihrer präzisen Reise dove presenta The Five Mountains Not to Climb On una successione ordinata di cinque monticelli di polline. In quest’occasione nasce una profonda amicizia tra i due e Laib parteciperà a numerose altre esposizioni curate da Szeemann.
1986 Nascita della figlia Chandra Maria Sobeide. Inizia a realizzare Rice Houses in marmo e in lacca birmana. Il Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris gli dedica un’importante mostra personale. Installazione di polline al CAPC Musée di Bordeaux.
1987 Partecipa all’ottava edizione di Documenta dove presenta tre Rice Houses. Inizia a lavorare con la cera d’api.
1988 Realizza una prima stanza di cera (Für einen anderen Körper) in occasione della mostra Zeitlos curata da Szeemann all’Hamburger Bahnhof di Berlino. Una seconda stanza di cera (Passageway ) viene realizzata in occasione di una delle quattro mostre alle quali partecipa negli Stati Uniti dove trascorre tre mesi insieme alla famiglia.
1989 Primo viaggio in Giappone in occasione di una mostra a Tokyo. L’artista rimane colpito dalla cultura e dai paesaggi nipponici.
1990 Inizia a lavorare a case di cera di dimensioni sempre maggiori che presenta rialzate da terra su supporti di legno.
1991 Per la prima volta utilizza il granito, proveniente da cave della Valle Maggia, scoperte in occasione di una visita a Harald Szeemann. Carolyn e Wolfgang ristrutturano un’abitazione del XVII secolo adiacente allo studio di Laib. Un piccolo ambiente del piano terra viene adibito ad atelier dove lavorare la cera. Durante l’inverno la famiglia viaggia in Egitto e Yemen.
1992 Realizza un enorme campo di polline per il forum del Centre Pompidou di Parigi. Su invito di Szeemann espone al Museo Comunale d’Arte Moderna di Ascona. La mostra viene contestata dal consiglio comunale e dal sindaco per il carattere effimero delle opere in polline. Un’importante retrospettiva viene presentata al Kunstmuseum di Bonn e in seguito al Museum of Contemporary Art, Los Angeles.
1993 La famiglia trascorre l’estate in Birmania. Da anni alla ricerca del luogo ideale nel quale realizzare una stanza di cera all’interno di una montagna, Laib trova il sito ideale sul crinale del Roc del Maure, nei Pirenei.
1994 La famiglia trascorre l’estate in Tibet, Laib rimane colpito dall’isolamento dei monasteri e dalla semplicità della vita quotidiana locale.
1995 Laib realizza delle barche e una piccola ziggurat in cera d’api per lo Sprengel Museum di Hannover. In autunno viaggia in Mesopotamia. Per una mostra da Sperone Westwater crea You Will Go Somewhere Else , opera costituita da barche in cera collocate su impalcature di legno che rimandano alle strutture che custodiscono gli antichi testi sacri nel Palazzo del Potala a Lhasa.
1996 Continua a produrre barche in cera d’api che espone su impalcature di legno in occasione di varie mostre.
1997 Alla Biennale di Venezia presenta I Am Not Here  una versione ampliata di You Will Go Somewhere Else . Durante l’estate viaggia con Carolyn e Chandra in Cina e Corea ed espone un campo di polline alla biennale di Gwangju.
1998 In primavera presenta due ziggurat in cera d’api (Nowhere Everywhere ) che si estendono dal pavimento al soffitto della galleria Sperone Westwater a New York. Trascorre l’estate nel sud dell’India insieme alla famiglia.
1999 Il Carré d’Art di Nîmes gli dedica un’importante esposizione e sostiene il suo progetto per il Roc del Maure. Su invito di Szeemann espone un campo di polline alla Biennale di Venezia. Espone al Kunsthaus di Bregenz: ognuno dei quattro piani del museo ospita un’installazione di grandi dimensioni. Al pianterreno Laib realizza Es gibt keinen Anfang und kein Ende,  una ziggurat che si innalza per oltre sei metri, dal pavimento al soffitto dello spazio espositivo. In estate esplora la Germania dell’est alla ricerca dei luoghi dove ha vissuto e lavorato Caspar David Friedrich. In autunno iniziano i lavori per la realizzazione della stanza di cera nel Roc del Maure.
2000 I lavori per la realizzazione della stanza di cera nel Roc del Maure vengono portati a termine, Laib intitola l’opera La chambre des certitudes . In autunno viene inaugurata una grande retrospettiva itinerante a cura di Klaus Ottmann. Dopo la prima tappa all’Hirshhorn Museum di Washington D.C. la mostra viene presentata nel corso dei tre anni successivi all’Henry Art Gallery (Seattle), al Dallas Museum of Art, al Museum of Contemporary Art di Scottsdale, Museum of Contemporary Art di La Jolla e infine all’Haus der Kunst di Monaco di Baviera. L’Istituto per le relazioni estere di Stoccarda (IFA) acquista un gruppo significativo di opere di Laib con il proposito di presentarle all’estero per promuovere l’arte tedesca contemporanea. Nel corso degli anni successivi queste opere verranno esposte in Finlandia, Giappone, Cina, Vietnam, Australia, Singapore, Nuova Zelanda e Birmania. L’allestimento viene di volta in volta elaborato da Laib e arricchito da prestiti aggiuntivi.
2002 Prima mostra dedicata all’opera fotografica di Laib al museo Folkwang di Essen.
2003 Una serie di mostre a Tokyo, Marugame e Seul diventa l’occasione per un nuovo soggiorno in Giappone e Corea. Durante l’estate realizza opere in lacca birmana di grandi dimensioni: due scale, una ziggurat e una stanza composta da pannelli di lacca nera e rossa.
2004 Carolyn e Wolfgang acquistano un terreno adiacente alla loro abitazione nel sud della Germania dove Laib realizza due importanti interventi: sul fianco di un avvallamento scava una stanza di cera profonda 13 metri (Without Place, Without Time, Without Body ) e sul lato opposto installa un piccolo padiglione di vetro immerso nella natura progettato insieme a Carolyn.
2005 Il Kunstmuseum di Bonn e il De Pont Museum di Tilburg presentano una mostra consacrata al rapporto tra le fotografie e i disegni di Laib. In occasione della mostra promossa dall’IFA Laib viaggia in Australia con la famiglia. In autunno il MACRO di Roma e la Fondazione Beyeler gli dedicano due importanti retrospettive.
2006 Dopo anni di ricerche del luogo adatto i Laib stabiliscono un piccolo studio-abitazione nel Sud dell’India, vicino a Madurai. Da quel momento vi trascorrono almeno due mesi all’anno. Per Laib è l’inizio di una nuova fase creativa. Inizia a creare opere con il granito proveniente da una cava locale e la cenere bianca, usata in India per vari tipi di rituali, che elegge a simbolo del carattere effimero del mondo materiale. L’anno successivo inizia a esporre i nuovi lavori realizzati con questi materiali.
2009 Laib elabora un progetto per la Fondazione Merz di Torino in collaborazione con 45 bramini del Tamil Nadu: all’interno del museo espone una ziggurat circondata da mucchietti di riso mentre all’esterno, durante l’ultima settimana di apertura della mostra, i bramini compiono il Mahayagna, rituale vedico del fuoco. Di ritorno in India inizia a sviluppare un progetto per la realizzazione di un Brahmanda  monumentale (ca. 20 metri di larghezza) scavato nella roccia di una montagna a nord di Madurai.
2010 Carolyn e Wolfgang acquistano un piccolo appartamento a Manhattan, è l’occasione per stringere nuove relazioni con il mondo artistico statunitense. Alla fine dell’anno il MoMA contatta Laib per l’elaborazione di una mostra.
2011 Muore la madre Lydia. I Laib restano in Germania per la maggior parte dell’anno. Verso la fine dell’anno compiono un lungo viaggio nella regione del Gujarat dove si trovano i più importanti siti di pellegrinaggio jainisti. Due mostre a Mumbai presentano per la prima volta il suo lavoro al pubblico indiano.
2013 Laib presenta il più grande campo di polline mai realizzato nell’atrio del MoMA. L’installazione è creata con il polline raccolto nel corso di oltre vent’anni. Realizza una stanza di cera permanente per la Phillips Collection di Washington D. C.. L’opera nasce in relazione a un’altra sala permanente del museo, quella dedicata a Rothko dove sono esposti solo quattro dipinti, a suo tempo allestita in collaborazione con l’artista.
2014 Realizza un corridoio di cera di 50 metri nella tenuta-atelier dell’amico Anselm Kiefer a Barjac nel sud della Francia. Viene invitato ad esporre nella chiesa paleocristiana di Sant’Apollinare in Classe a Ravenna. Per Laib, che ha una profonda conoscenza e interesse dell’arte e della filosofia medievali si tratta di un’esperienza particolarmente importante.
2015 In Giappone riceve il Premio Imperiale per la scultura, la maggior onorificenza attribuita nel campo delle arti visive. In questa occasione compie un nuovo viaggio insieme alla famiglia. Una volta rientrato in Germania inizia a lavorare a una serie di disegni di grandi dimensioni realizzati con pastello a olio bianco su carta bianca, ispirati alle cerimonie dei preti shintoisti.
2016 Il padre Gustav muore in luglio all’età di 93 anni. Laib ha sempre vissuto in stretto rapporto con i genitori e questo evento segna una svolta nella sua vita e nella sua ricerca artistica. Viaggia in Italia per pianificare nuovi progetti espositivi.
2017 All’inizio dell’anno viaggia in Birmania con Carolyn per l’allestimento di una mostra nel complesso coloniale del segretariato a Yangon, già sede centrale del governo rimasta inaccessibile al pubblico per oltre 50 anni. La mostra intitolata Where the Land and Water End  si riferisce a una piccola pagoda che si trova nell’oceano nel sudovest della Birmania. Di ritorno nell’atelier indiano Laib lavora a una serie di nuovi Brahmanda . A primavera è nuovamente invitato ad esporre in una chiesa italiana, il piccolo edificio gotico di Santa Maria della Spina a Pisa. In questa occasione ritorna insieme a Carolyn nelle città italiane a loro più care, Siena, Assisi e Padova.


MASI Lugano
Il Museo d’arte della Svizzera italiana
, Lugano rappresenta il punto di arrivo di una profonda revisione delle politiche culturali che ha portato all’unificazione del Museo Cantonale d’Arte e del Museo d’Arte di Lugano in una sola istituzione. Il museo ha due sedi: al LAC sono proposti diversi allestimenti volti ad approfondire l’arte del Novecento e contemporanea e le sue collezioni, a Palazzo Reali l’attività si concentra sulla storia dell’arte del territorio e sulla valorizzazione di nuclei specifici delle collezioni. Partner principale del MASI Lugano è Credit Suisse, che conferma il suo storico impegno in favore dell’arte a Lugano.
Il nuovo direttore del Museo d’arte della Svizzera italiana è Tobia Bezzola. Attualmente alla direzione del Folkwang Museum di Essen, Bezzola entrerà in carica il 1. gennaio 2018, succedendo a Marco Franciolli che a fine 2016 aveva annunciato la sua volontà di dare avvio al processo per la sua successione. Il Consiglio di Fondazione del Museo d’arte della Svizzera italiana lo ha nominato all’unanimità su indicazione della Commissione scientifica del museo, la quale ha condotto il processo di selezione.
Tobia Bezzola, nato nel 1961 a Berna, è cittadino svizzero con origini ticinesi. Dal 2013 dirige il Folkwang Museum di Essen, uno dei più importanti musei d’arte in Germania e a livello europeo.
Lungo la sua carriera ha ricoperto incarichi prestigiosi come il ruolo di assistente di Harald Szeeman (1992-1995) e, per oltre quindici anni, quello di curatore e poi di responsabile dei progetti espositivi, delle collezioni “Nuovi Media” e “Fotografia” al Kunsthaus di Zurigo. Durante il periodo zurighese, ha curato e co-curato una trentina di esposizioni tra le quali si annoverano mostre su Paul Gaugin, Pablo Picasso, Max Beckmann, Alberto Giacometti, Joseph Beuys, Christian Marclay, Thomas Struth, progetti espositivi tematici (“Rivoluzione! Italian Modernism from Segantini to Balla”; “Hot Spots: Rio de Janeiro / Milano – Torino / Los Angeles”), e collaborazioni con altre autorevoli realtà come il MoMA di New York, il Centre Pompidou di Parigi, la National Gallery di Londra e il Reina Sofia di Madrid. Alla direzione del Museo Folkwang ha amministrato una struttura importante con attività collezionistiche ed espositive, oltre a gestire la relazione con i diversi gruppi d’interesse coinvolti e dedicare una particolare attenzione allo sviluppo di pubblico e attività collaterali. Il concorso per il nuovo direttore del MASI ha attratto un’ottantina di candidature, delle quali oltre il 70% provenienti da fuori i confini nazionali, a conferma dell’interesse crescente presso la comunità scientifica museale dell’istituto luganese. Carmen Gimenez, presidente del Consiglio della Fondazione MASI Lugano: “Siamo particolarmente soddisfatti di poter accogliere a Lugano un direttore del calibro di Tobia Bezzola, il quale soddisfa pienamente i requisiti del profilo ideale che era stato definito per la successione di Marco Franciolli. In particolare, siamo convinti che sia la persona giusta per poter proseguire il percorso di crescita che ha portato il MASI ad affermarsi negli ultimi anni sulla mappa dei musei d’arte in Svizzera e all’estero e per contribuire a consolidare tale posizione anche grazie alla sua esperienza e alla rete personale di contatti internazionali sviluppata durante il suo percorso professionale.”. Tobia Bezzola: “Ringrazio sentitamente il Consiglio di Fondazione per la fiducia che mi è stata data. Sono molto felice di poter cogliere l’affascinante sfida e contribuire allo sviluppo del già eccellente posizionamento del MASI.


Wolfgang Laib
A cura di: Marco Franciolli, direttore MASI in collaborazione con Francesca Bernasconi, responsabile sviluppo progetti MASI
Orari: martedì - domenica: 10:00 – 18:00; giovedì aperto fino alle 20:00; lunedì chiuso Ingresso Esposizioni temporanee: Intero: chf 15.- Ridotto: chf 10.- (AVS/AI, over 65 anni, gruppi, studenti 17-25 anni) Gratuito: <16 anni e ogni prima domenica del mese Visite guidate e laboratori creativi: +41 (0)58 866 4230 - lac.edu@lugano.ch
Contatti stampa
LAC Lugano Arte e Cultura Ufficio comunicazione: Tel.  +41 (0)58 866 4214 - lac.comunicazione@lugano.ch

Per l’Italia: ddl+battage Alessandra de Antonellis +39 339 3637388 - alessandra.deantonellis@ddlstudio.net - Margherita Baleni +39 347 4452374 - margherita.baleni@battage.net

LAC Lugano Arte e Cultura
Piazza Bernardino Luini 6
6901 Lugano
Tel. +41 (0)58 866 4230 - info@masilugano.ch - www.masilugano.ch

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And What, for Example, Am I Now Seeing?, Les Moulens, Boissy-le-Châtel, (Parigi), France

Dal 30/04/2017 al  30/09/2017
AND WHAT, FOR EXAMPLE, AM I NOW SEEING? (Autodisporsi)
In collaborazione con la Collezione di Gropello
Evento a sostegno di Save the Children


Da una collezione straordinaria che negli ultimi trent’anni (1987–2017) si è arricchita di oltre trecento opere d’arte contemporanea, per la mostra And What, for Example, Am I Now Seeing?  ne sono presentate 48.
Questa scelta è nata dalla capacità di ogni lavoro di autodisporsi - titolo della famosa opera di Boetti e sottotitolo della mostra - e cioè di trovare un collocamento razionale all’interno della struttura dell’esposizione contribuendo attivamente al fine del progetto. Grazie al loro forte impatto, queste opere sono in grado di catturare l’attenzione e instaurare con lo spettatore un rapporto intimo e personale. Questo percorso offre la possibilità di imparare a vivere l’arte in modo diverso, abbandonando la frenesia dell’occhio che scorre sempre troppo veloce sulle cose, per lasciarsi trasportare dall’esperienza visiva e, alla fine, documentarsi e confrontarsi con le proprie impressioni e le proprie idee.
Seguendo un criterio “classico” la mostra si articola nelle sezioni Disegno, Pittura, Scultura, Fotografia, Altri Media.
Il titolo And What, for Example, Am I Now Seeing? tratto dall’opera dell’artista concettuale Joseph Kosuth e basata sulle definizioni del Trattato Logico-Filosofico di Ludwig Wittgenstein, diventa un invito per lo spettatore a osservare le opere e riflettere liberamente sul loro significato nel tentativo di creare un dialogo diretto tra i lavori e il pubblico.
La mostra si sviluppa in tre momenti distinti in cui l’opera si svela a chi la osserva: visita silenziosa, visita con suono e visita didattica.
Nelle sezioni Disegno, Pittura e Fotografia si svolge la visita silenziosa – il silenzio è una sorta di homage alla pratica artistica di Marina Abramovic. Qui si richiede al pubblico di spegnere tutti i device personali, di non scattare fotografie né video e di indossare una cuffia antirumore per non ricevere alcuna interferenza esterna.
Nelle sezioni Scultura e Altri Media si articola la visita con suono e a chiusura del percorso nella sezione didattica sono spiegate nel dettaglio tutte le opere secondo la visione del collezionista.
In quest’Era Digitale, in cui l’informazione raggiunge un terzo della popolazione globale alla velocità di internet, si crea probabilmente un corto circuito tra le opere della generazione degli artisti, nati in un mondo “pre-internet”, con i modelli della generazione Z del nuovo millennio
L’intento dei curatori è quello di verificare se un’opera d’arte contemporanea resta attuale e cioè ancora capace di mantenere il suo istantaneo potere seduttivo in grado di conquistare anche l’attenzione delle nuove generazioni-digitali.
La sezione didattica si rivolge specificatamente all’approfondimento di questo tema con le scolaresche essendo la mostra essenzialmente concepita e finalizzata con intento didattico.
All’inizio del percorso espositivo verrà consegnato un quaderno su cui poter appuntare le proprie osservazioni che saranno raccolte nella sezione didattica al fine di testimoniare le esperienze vissute e il dialogo creatosi tra il pubblico e le opere in mostra.

ARTISTI:
MARINA ABRAMOVIC, AI WEIWEI, CHARLES AVERY, MASSIMO BARTOLINI, SIMONE BERTI, ALIGHIERO BOETTI, CÉLESTE BOURSIER-MOUGENOT, CHRISTOPH BÜCHEL, CAI GUO-QIANG, MAURIZIO CATTELAN, CHEN ZHEN, WILLIAM CLIFT, BERLINDE DE BRUYCKERE, GINO DE DOMINICIS, GIULIO DI GROPELLO & DANIEL LAPIGUINE, ELMGREEN & DRAGSET, TANO FESTA, GIUSEPPE GABELLONE, GAO XINGJIAN, KENDELL GEERS, LIAM GILLICK, THOMAS GRÜNFELD, CARSTEN HÖLLER, NORMA JEANE, TIM KNOWLES, JOSEPH KOSUTH, ARMIN LINKE, ALDO MONDINO, LUIGI ONTANI, HANS OP DE BEECK, DIEGO PERRONE, PAOLA PIVI, PIETRO ROCCASALVA, SERSE, KIKI SMITH, ETTORE SPALLETTI, PASCALE MARTHINE TAYOU, JOSÉ TOIRAC, OLAV WESTPHALEN.


And What, for Example, Am I Now Seeing?  (Autodisporsi)
In collaborazione con: la Collezione di Gropello
Evento a sostegno di: Save the Children
Dal 30/04/2017 al  30/09/2017
Orari: dal mercoledì alla domenica, dalle 12:00 alle 18:0046
Informazioni: Tel. +33 (0)1 64 20 39 50 - lemoulin@galleriacontinua.fr - www.galleriacontinua.com

Les Moulens - GalleriaContinua
rue de la Ferté-Gaucher
77169 Boissy-le-Châtel
France

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“Irving Penn. Resonance – Photographs from the Pinault Collection”, Fotografiska, Stoccolma

Dal 16 giugno al 1 ottobre 2017


Dopo Palazzo Grassi, al Fotografiska di Stoccolma apre la rassegna dedicata al grande fotografo americano.
In occasione del centenario dalla nascita di Irving Penn (1917 – 2009), il centro d’arte internazionale Fotografiska di Stoccolma ha inaugurato il 16 giugno Resonance - Photographs from the Pinault Collection in collaborazione con la Pinault Collection e Palazzo Grassi.
La mostra arriva nella prestigiosa sede espositiva di Stoccolma, dopo essere stata presentata nel 2014 a Venezia. Curata da Pierre Apraxine e Matthieu Humery - già curatori della rassegna veneziana - con il coordinamento di Johan Vikner, Exhibition Manager di Fotografiska, il nuovo allestimento del nucleo di opere fotografiche provenienti dalla Pinault Collection, intende ripercorrere il viaggio attraverso l’arte figurativa di Irving Penn proposto al pubblico per la prima volta nelle sale di Palazzo Grassi.
Ritrattista di ogni aspetto della vita dell’uomo, Irving Penn ha sempre cercato la bellezza nella purezza della composizione lungo la sua produzione dalla fine degli anni ‘40 alla metà degli anni ’90. Dai ritratti di personalità celebri, come Salvador Dalì, Marlene Dietrich o Alfred Hitchcock, alle fotografie etnografiche di abitanti del Marocco o della Nuova Guinea, fino alle composizioni e alle nature morte con fiori, ossa e altri oggetti. Le immagini poco conosciute esposte accanto a pezzi iconici offrono una importante testimonianza della particolare capacità di sintesi che caratterizza il lavoro di Irving Penn.
Dal 2010 il Fotografiska è uno dei più grandi centri d’arte internazionali esclusivamente dedicati alla fotografia, sia storica sia contemporanea, con un programma di grandi esposizioni dedicate, tra gli altri, a Sebastiấo Salgado, Helmut Newton, Henri Cartier-Bresson, Weegee, Guy Bourdin, Inez & Vinoodh, Martin Parr, Andres Serrano, Anders Petersen, Isaac Julien, Roger Ballen, Robert Frank.
La mostra è la nona esposizione extra muros realizzata dalla Pinault Collection, dopo le collettive a Mosca, Lille, Parigi, Seul, Monaco e infine Essen nel 2016-17.

© Photo above: Harlequin Dress (Lisa Fonssagrives-Penn), New York, 1950 / © Condé Nast

Nu ställer Fotografiska, med anledning av 100-årsfirandet av hans födelse, ut en stor mängd verk av Irving Penn (16 juni 1917-2009) i hyllningsutställningen Resonance – Photographs from the Pinault Collection, kurerad av Pierre Apraxine and Matthieu Humery. Johan Vikner är utställningsansvarig på Fotografiska och satt samman utställningen i samarbete med Pinault Collection och Palazzo Grassi.
Som en av 1900-talets mest hyllade och inflytelserika fotografer kom Irving Penn att prägla mediets utveckling med sina klassiska porträtt och omsorgsfullt arrangerade stilleben. Likt en mästare av ljus och komposition lät Penn varje subjekt och objekt spela huvudrollen mot en enkel bakgrund, var och en likt en grundstomme av likvärdig betydelse. Detaljstudier av vardagliga ting så som cigarettfimpar, pappersmuggar eller benbitar porträtterades i samma perfekta harmoni som haute couture, supermodeller och vanliga arbetare.
Resonance är en resa genom Irving Penns bildvärld från det sena 1940-talet till mitten av 1990-talet och skildrar olika element i Penns konstnärskap, denna åskådare av livets alla delar och skeenden som såg skönhet i en ren komposition. Hans fotografier lockar över hela världen till engagemang. En av dem som blev särskilt fascinerad är Francois Pinault som när han fick syn på serien med de små barnen i Chouhun berördes djupt och hade möjlighet att köpa ett verk. Matthieu Humery är ansvarig för samlingen hos Pinault Collection och berättar med inlevelse om hur detta första steg ledde till ett andra och nu är Pinaults en av de främsta privata Penn-samlingarna i världen.
Irving Penns livsverk upphör aldrig att fascinera och det är med stor glädje vi genomför detta samarbete med Fotografiska och får möjlighet att nå ut till denna stora publik, säger Matthieu Humery.
Mycket av Penns arbeten präglas av hans fascination för livets olika skeden, och dess definitiva avslut – döden. Vi på Fotografiska är stolta över att med denna utställning, med anledning av hans 100-årsdag, hylla en av världens mest berömda fotografer.
Fotnot: Utställningen presenteras i samarbete med Pinault Collection och Palazzo Grassi.

Irving Penn. Resonance - Photographs from the Pinault Collection
Curata da
: Pierre Apraxine e Matthieu Humery
Coordinamento di: Johan Vikner
Ufficio Stampa: PCM Studio - Paola C. Manfredi - paola.manfredi@paolamanfredi.com - M. +39 335 54 55 539
Ufficio Stampa FotografiskaMargita Ingwall - margita.ingwall@fotografiska.se  - M. +46 (0)70 456 1461

Fotografiska
22 Stadsgardshamnen
,

Stoccolma 116 45
Svezia

 

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